Blade Runner

Vangelis. 1994.

Le gustará si… Quiere escuchar el futuro.

Evítela si… Aún cree que esto es una banda sonora.

¿A qué suena el futuro? Si es distópico, oscuro, urbano, multicultural, lluvioso, desesperado y triste, entonces sonará a Blade Runner, de Vangelis.

Aunque fue compuesta en 1982 para la película de Ridley Scott del mismo título, al escuchar este disco conviene olvidarse de que, en algún momento, esto fue una banda sonora: es tradición en los trabajos de Vangelis para el cine que, ni toda la música de la película aparezca en el disco ni toda la música del disco aparezca en la película. El ejemplo más escandaloso es 1492, la Conquista del Paraíso, pero Blade Runner no es una excepción.

La primera edición en disco de la banda sonora de Blade Runner ni siquiera era de Vangelis. El griego se negó en su momento a editar la música: había recibido un Oscar sólo un año antes por Carros de fuego y no quería ser encasillado como ‘autor de bandas sonoras’. No obstante, la productora del film encargó a la New American Orchestra una versión orquestal de los temas principales de la película. Esta fue la única opción disponible, excepto por el tema Memories of green, que pertenecía al disco See you later de 1980, hasta 1989: ese año, el recopilatorio Themes incluyó por primera vez el Love theme y los End titles interpretados por el propio Vangelis.

En 1994 salió al mercado una edición de la banda sonora, interpretada esta vez sí por Vangelis, que recibió fuertes críticas por parte de los puristas: no sólo no incluía la mayor parte de la música de la película, sino que incorporaba temas que no se habían llegado a utilizar en ella. En cambio, para los seguidores estrictamente de la música del griego, éste es uno de los trabajos más apreciados.

Y en 2007, con motivo del 25 aniversario del estreno, se volvió a editar la banda sonora, esta vez en un lujoso pack de tres discos: el primero de ellos exactamente igual a la edición del 94, el segundo con más música de la película que no se había editado previamente y un tercer disco de música ‘inspirada por’ el universo Blade Runner, sin relación alguna con el trabajo de Scott pero en la línea estilística de los otros dos.

En Blade Runner, Vangelis crea con sus sintetizadores magistrales atmósferas de decadencia y melancolía con trazos de blues y jazz. El carácter de film noir está aún más reforzado por las colaboraciones de Dick Morrisey al saxo en el Love Theme, la voz angelical de Mary Hopkin en Rachel’s song y los cánticos étnicos de Demis Roussos en Tales of the future. Hay un predominio de las brillantes texturas electrónicas sobre las melodías, sencillas en unos temas, inexistentes en otros como el Blade Runner blues, un largo lamento improvisado con sintetizador solo. Resulta evidente que la intención de Vangelis nunca fue escribir una obra de ciencia ficción, sino una de género negro, aunque fuese a través de sonoridades no convencionales.

Para una mejor experiencia al escuchar el álbum, los temas fluyen de uno a otro sin pausas o engarzados mediante fragmentos de diálogos: Harrison Ford, Sean Young o Rutger Hauer, atrapados en un fluir de sonidos del futuro que se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia…

Temas:

1. Main Titles (3:42)
2. Blush Response (5:47)
3. Wait for Me (5:27)
4. Rachel’s Song (4:46) – Interpretada por Mary Hopkin.
5. Love Theme (4:56)
6. One More Kiss, Dear (3.58) – Interpretada por Don Percival.
7. Blade Runner Blues (8:53)
8. Memories of Green (5:05)
9. Tales of the Future (4:46) – Interpretada por Demis Roussos.
10. Damask Rose (2:32)
11. Blade Runner (End Titles) (4:40)
12. Tears in Rain (3:00)

Blade Runner

Vangelis. 1994.

You’ll like it… If you want to listen to the future.

Avoid it… If you still believe this is a soundtrack.

How does the future sound? If it’s dystopic, dark, urban, multicultural, rainy, desperate and sad, then it will sound like Vangelis’ Blade Runner.

Although it was written in 1982 for Ridley Scott’s film of the same title, it’s highly recommended to forget about it when listening to this album: it is a tradition with Vangelis film works that not all the music in the film will be in the album, and there’ll be music in the album which is not in the film. The most blatant example is 1492, Conquest of Paradise, but Blade Runner is no exception.

Even, the first edition of the soundtrack is not by Vangelis. The greek refused to edit the music at that point: he had received an Oscar a year prior for Chariots of Fire and didn’t want to be labeled as ‘film musician’. However, the studio entrusted the New American Orchestra with recording an orchestral version of the movie’s main themes. That was the only available option, except for the Memories of green theme, which was included in the 1980 album See you later, until 1989: that year, the Themes compilation album included the Blade Runner Love theme and End titles, performed by Vangelis himself, for the first time.

In 1994 the soundtrack was made available, finally performed by Vangelis. This album, however, received strong criticism from the purists: not only it didn’t include most of the music from the film, but also included a few themes that had never appeared on screen. On the other hand, for those strictily following Vangelis music, this is one of the most beloved works.

Finally, in 2007, as part of the film’s 25th anniversary, the soundtrack was released again, this time as a three-cd pack: the first one was exactly the same as 1994, the second one included previously unreleased music from the film, and the third one was of music ‘inspired by’ Blade Runner’s universe, with no relation at all to the film but the same style and mood as the other two.

For Blade Runner, Vangelis creates deep atmospheres of decadence and melancholy with his synthesizers, following paths of blues and jazz. The film noir ambiance is emphasized by collaborations of Dick Morrisey’s sax for the Love Theme, the angelic voice of Mary Hopkin in Rachel’s song and the ethnic chants of Demis Roussos during Tales of the future. There’s predominance of bright electronic textures over melodies, wich are simple in some themes, nonexistent in others like the Blade Runner blues, a long lament improvised on solo synthesizer. It’s clear that Vangelis never intended to write a science fiction work, but a noir one, even if it was through unconventional sounds.

For a better experience when listening to the album, all the themes flow from one to the next, without pause or sticked together with pieces of dialogue from the film: Harrison Ford, Sean Young or Rutger Hauer, trapped in a stream of sounds from the future that will be lost in time, like tears in rain…

Tracks.

1. Main Titles (3:42)
2. Blush Response (5:47)
3. Wait for Me (5:27)
4. Rachel’s Song (4:46) – Performed by Mary Hopkin.
5. Love Theme (4:56)
6. One More Kiss, Dear (3.58) – Performed by Don Percival.
7. Blade Runner Blues (8:53)
8. Memories of Green (5:05)
9. Tales of the Future (4:46) – Performed by Demis Roussos.
10. Damask Rose (2:32)
11. Blade Runner (End Titles) (4:40)
12. Tears in Rain (3:00)

John M. Keane

John M. Keane, nacido en Los Ángeles en 1965, comenzó su carrera muy jóven: con sólo once años formó el dúo The Keane Brothers junto a su hermano mayor Tom, y en 1977 publicaron su primer single, ‘Sherry’. Más tarde se convirtieron en los artistas más jóvenes de la historia en presentar su propio programa de televisión de variedades, The Keane Brothers Show.

Después de la separación del grupo, John se estableció por su cuenta y demostró sus habilidades como letrista publicando su primer álbum en solitario, ‘Any other world’, en 1996, seguido de ‘Straight away’ en 1999. Desde entonces, ha construido una sólida carrera como compositor, músico (con un gusto especial por la música clásica, el R&B, el pop y el country), letrista y músico de estudio, colaborando como batería con Celine Dion, Michael Bolton, Chicago y Richard Marx, entre otros.

Entonces, ¿qué hace John M. Keane en este blog?

La razón es de peso: como compositor, John M. Keane es responsable del innovador sonido de la serie de éxito mundial CSI: Crime Scene Investigation, por el que fue nominado al premio Emmy en 2007 así como a 12 premios BMI y ASCAP durante los años que se ha estado emitiendo.

El apartado musical de CSI: Crime Scene Investigation recae, principalmente, en una cuidada selección de canciones que reúne clásicos del rock (no en vano los títulos iniciales se acompañan del ‘Who are you’ de The who) con ejemplos de las nuevas tendencias y rock alternativo contemporáneo (Grand Theft Audio o Robbie Robertson). Construir un underscore que pueda destacar en estas circunstancias parece una tarea imposible de la que, sin embargo, Keane sale victorioso.

Si los personajes protagonistas (recuérdese, el turno de noche) se mueven entre los ambientes urbanos de Las Vegas (barrios residenciales, callejones sórdidos y provocadores casinos) y el aséptico laboratorio, la música de Keane se mueve también en esos parámetros de elegancia, oscuridad y frialdad. En ocasiones, suaves loops de percusión electrónica sostienen sonidos de cuerda sintética que arrastran tras de sí melancolía y tristeza; en otras, un ritmo más rápido quiere transmitir el pulso acelerado de la investigacións. Son piezas siempre a medio camino entre melodías sencillas y puro sound design ambiental. Con una paleta sonora minimalista en la que tienen mucho peso los sintetizadores virtuales de Spectrasonics, Keane ha perfilado un sonido reconocible, potente, heredero del creado por Mark Snow para The X-Files pero con personalidad propia y que, al igual que la propia serie, ha generado toda una corriente de seguidores e imitadores.

Considerando el peso que las canciones tienen en la serie, no es ninguna sorpresa que la edición discográfica de la banda sonora de CSI: Crime Scene Investigation sólo incluya dos cortes de underscore: Investigation suite y Grissom’s overture. No obstante, son piezas suficientemente representativas del trabajo de este músico versátil y sorprendente.

Más información: http://www.jmkeane.com

John M. Keane

John M. Keane, born in Los Angeles in 1965, started his career very young: at only eleven years old, he made up the popular duo The Keane Brothers, together with his older brother Tom, and in 1977 the released their first single, ‘Sherry’. Later, they became the youngest entertainers in history to host their own variety television program, The Keane Brothers Show.

After the group disbanded, John set out on his own and showcased his skills as songwriter, releasing his first solo-album, ‘Any other world’, in 1996, followed by ‘Straight away’ three years later. Since then, he has stablished a solid career as composer, musician (with a special taste for classic, R&B, pop and country), songwriter and studio musician, playing as session drummer along with Céline Dion, Michael Bolton, Chicago and Richard Marx, among others.

So, what’s John M. Keane doing in this blog?

There’s a heavy reason: as composer, John M. Keane is responsible for the innovative sound of the world hit series CSI: Crime Scene Investigation, for which he received an Emmy Award nomination in 2007 and twelve BMI and ASCAP Award nominations during the years the show has been on air.

he musical aspect of CSI: Crime Scene Investigation is heavily settled on a careful selection of songs that gathers rock classics (the opening titles run over ‘Who are you’, by The Who) with examples of new trends and alternative contemporary rock (such as Grand Theft Audio or Robbie Robertson). Although building an underscore that could stand out seems an impossible task, Keane succeed.

If the starring characters (remember, the night shift) move between Las Vegas’ urban environment (suburbs, sordid alleys and provocative casinos) and the aseptic lab, the music by Keane moves along those parametres of elegance, darkness and coldness. Sometimes, soft loops of electronic drums sustains synthetic strings carrying melancholy and sadness behind them; other times, a faster rythm transmits the accelerated pulse of the investigation. They’re pieces always stuck between simplicity and pure ambient sound design. With a minimal sound palette that makes extensive use of Spectrasonic’s virtual synths, Keane has stablished a recognizable sound, powerful, heir to that of Mark Snow for The X-Files series, but with its own personality and, like the show itself, has created a whole trend of followers and imitators.

Considering the weight of the songs in the series, it’s no surprise that the edition on album of the soundtrack includes only two themes of underscore: Investigation Suite and Grissom’s overture. However, those are representative enough of the work of this versatile and surprising musician.

More information: http://www.jmkeane.com

Inception

Hans Zimmer. 2010.

Le gustará… Si acepta introducirse en atmósferas opresivas, cargadas de tanta violencia como melancolía.

Evítela si… Espera dulces sueños…

Inception es el tercer capítulo de la colaboración entre el director Christopher Nolan y el compositor Hans Zimmer, tras Batman Begins (2005) y El Caballero Oscuro (2008), un proyecto personal que el británico ha tardado diez años en poner en pie. En el universo que Nolan ha ido construyendo con su todavía reducida filmografía el nada es lo que parece es una constante, y en Inception la realidad y los sueños se entremezclan en un perfecto mecanismo de relojería, pariente cercano de otros como Matrix (L. y A. Wachowsky, 1999) o Dark City (A. Proyas, 1998).

Al mismo tiempo, Hans Zimmer parece haber culminado con este trabajo el proceso que había comenzado precisamente con Batman Begins: representar musicalmente no aquello que ocurre en la pantalla, sino sólo las emociones. En este camino hacia la trascendencia, tanto compositor como director han explicado en varias entrevistas el proceso de trabajo seguido en Inception: Nolan no permitió a Zimmer visionar las escenas rodadas para que pudiese sincronizar la música a ellas, sino que éste debía escribir piezas basándose en los personajes sobre el guión; estas piezas sirvieron al propio director para hacer un montaje musical previo, sobre el que el compositor haría los arreglos finales. Así pues, más que de una banda sonora al uso, estaríamos hablando de un trabajo musical con entidad en sí mismo.

Al igual que en las dos colaboraciones anteriores, el alemán no se aparta ni un ápice de lo establecido en su estilo: ausencia de temas melódicos complejos, perfecta simbiosis orquesta-electrónica y protagonismo para las regiones más bajas de la escala. Como en un sueño, la música fluye sin rumbo, sin saber de dónde ni hacia qué dirección, oscilando entre la melancolía, la oscuridad amenazante y la tristeza del amor perdido, saltando abruptamente de los pasajes más tranquilos (Lost souls, Waiting for a train) a los más contundentes (Mombasa). Pero, en su simplicidad, todos los temas quedan diluidos en el oscuro continuum musical. Y, como en un sueño, poco queda en la memoria al despertar.

Inception no es ajena al film noir, y algo de este aspecto viene a cubrir la colaboración en la banda sonora de Johny Marr, guitarrista de Modest Mouse. Una colaboración que sin embargo queda engullida pronto en el maremagnum sinfónico.

Por desgracia, en su búsqueda de trascendencia, Hans Zimmer minimaliza los recursos, introduciéndose peligrosamente en el estrecho callejón de la autorreferencialidad, tantas veces indistinguible del auto-plagio.

La canción Non, Je Ne Regrette Rien, de Edith Piaf, que tiene un papel relevante en el film, tiene también su fantasmal aparición en la banda sonora, pudiendo hacerle dudar de que, si todo suena como en un sueño, a lo mejor es que lo es…

Temas:

1. Half Remembered Dream (1:12)
2. We Built Our Own World (1:56)
3. Dream is Collapsing (2:24)
4. Radical Notion (3:43)
5. Old Souls (7:44)
6. 528491 (2:24)
7. Mombasa (4:54)
8. One Simple Idea (2:28)
9. Dream Within a Dream (5:04)
10. Waiting For a Train (9:30)
11. Paradox (3:25)
12. Time (4:36)

Inception

Hans Zimmer. 2010.

You’ll like it… If you accept to get into oppressive atmospheres, loaded with as much violence as melancholy.

Avoid it… If you expect sweet dreams…

Inception is the third chapter in the collaboration stablished between director Christopher Nolan and composer Hans Zimmer, after Batman Begins (2005) and The Dark Knight (2008), a personal project that took the British ten years to set up. In the universe Nolan has been building with his still short filmography, it is a constant that nothing is what it seems, and in Inception reality and dreams mix together in a perfect clockwork, not far from others like The Matrix (L. and A. Wachowsky, 1999) or Dark City (A. Proyas, 1998).

At the same time, Hans Zimmer seems to have culminated with this work the process he started with Batman Begins: to musically represent not what’s happening on screen, but only the emotions. On this way to trascendence, both composer and director have explained in several interviews the work process followed in Inception: Nolan didn’t allow Zimmer to watch the rough edit of the film, in order to syncronize the music to it, but he had to write several pieces of music based solely on the characters on script; those pieces were arranged by the director himself in a temp musical edit, and the composer would made the final arrangements over it. So, instead of a normal soundtrack written for the images, we get a self-contained piece of music.

Just like the previous collaborations, Zimmer do not stand aside a bit from the style he has lately stablished: absence of complex themes, perfect orchestra-electronics symbiosis and all prominence to the lower regions of the scale. Like in a dream, music flows without direction, unaware of where it comes from or where it goes, swinging from the brooding to the menacing darkness and the lost love sadness, jumping violently from the quieter passages (Lost souls, Waiting for a train) to the more violent (Mombasa). But, in their simplicity, all the themes dissolve in the dark musical continuum. And, like in a dream, there’s very few in the memory after getting up.

Inception is not unconnected to film noir, and some of this aspect is covered by Johny Marr (Modest Mouse guitarist) collaboration, a collaboration, however, that is soon bolted down in the symphonic mess.

Unfortunately, in his quest of trascendence, Hans Zimmer reduces his resources to a minimum, dangerously getting into the narrow way of self-reference, so many times indistinguisable from self-plagiarism.

The song Non, je en regrette rien, by French singer Edith Piaf, which plays an important role during the movie, makes a ghostly appearance on the soundtrack, and it could make you doubt that, if everything sounds like in a dream, maybe it’s one…

Tracklist:

1. Half Remembered Dream (1:12)
2. We Built Our Own World (1:56)
3. Dream is Collapsing (2:24)
4. Radical Notion (3:43)
5. Old Souls (7:44)
6. 528491 (2:24)
7. Mombasa (4:54)
8. One Simple Idea (2:28)
9. Dream Within a Dream (5:04)
10. Waiting For a Train (9:30)
11. Paradox (3:25)
12. Time (4:36)